1958
  • Nace en Bogotá
EDUCACIÓN
2003
  • Seminario.de Filosofia Ludwig Wittgenstein. U.Nacional.
1993
  • Skowhegan School of Painting
1991-93
  • M.F.A. Maestro Bellas Artes. School of Visual Arts Nueva York, EE.UU.
1983-88
  • Honchschule der Kunste, Berlín, Alemania.
1981-83
  • Bellas Artes, Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá.
1976-81
  • Medicina Universidad Javeriana, Bogotá
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
2015
  • Reflexión - Iglesia San Cristóforo - Neukoln, Berlin, Alemania
2013
  • Galería 360 grados - Intervención en Casa Iregui.
  • Escuela Taller de Bogotá - Homenaje Merz.
2011
  • Galería Cometa - Lux Feminae.
  • Iglesia Museo Santa Clara - Intervención del Espacio.
2011
  • Museo de Arte de Quindío - Ciudades de la Noche Roja.
2010
  • Lux Feminae Instalación - Pinturas Galería El Cometa
2008
  • Museo de Arte Universidad Jorge Tadeo Lozano. Ciudades de la Noche Roja.
2007
  • Exposición Casas Riegner. Archivos.
2005
  • Biblioteca Nacional de Seúl Corea. Crónicas de Indias.
  • Exposicion Museo Nacional de Arte Beijing Crónica de Indias.
2003
  • Pinturas. Sala de Artes Suramericana. Medellín.
2002
  • Museo de Arte Moderno Bogota, Desierto Prodigioso, Las Resultas.
  • Galería Casas Riegner, Miami.
2001
  • La Caridad del Cobre, Galería Diners, Bogotá.
2000
  • Museo de Arte de Pereira, Fondo Cultural Cafetero, Manizales.
  • Universidad Jorge Tadeo Lozano, Edificio Post-Grados
  • Crónicas de Indias – Terra Incógnita,
  • Galería Diners, Bogotá
  • Salón Cultural Banco del Estado, Popayán.
  • Serie Alquimia II Potsdam Berlín, Alemania.
  • Libro de Apolonio, Galería Diners, Bogotá.
1999
  • Sobre Goya, Museo de la Américas, OEA, Washington, EE.UU.
  • Amazonas, Museo de Arte Moderno, Bogotá.
  • Ruta de la Seda, Galería Arteria, Barranquilla.
  • Arizona, Galería Diners, Bogotá.
  • Caprichos de Goya, Galería Jenny Vilá, Cali.
  • El Arcipreste de Hita, Galería Diners, Bogotá.
  • Museo de Arte Moderno, La Tertulia, Cali.
1990
  • Pinturas sobre el Popol Vuh, Galería Diners, Bogotá.
  • Galería Jenny Vilá, Cali
  • Pinturas sobre Caprichos de Goya, Galería Diners, Bogotá.
  • Galería Figuras, Cali.
  • Instalación “ La Vida Salvese Quien Pueda”, Galería Urban Art, Berlín, Alemania.
  • Pintura y trabajos sobre papel. Caxal Zaragoza y Teruel, España.
  • Video “Golden Cities” V.H.S. 4 min. H.D.K., Berlín, Alemania.
  • Pinturas, Nuevos Nombres, Casa de la Moneda, Bogotá.
1986
  • El rey se muere, Pinturas Kino Eis Zeit, Berlín, Alemania.
  • Menage a trois, Escuela de Bellas Artes, Berlín, Alemania.
1985
  • Dario de Elba, Instalación de pinturas en espacio abierto, Berlín, Alemania.
EXPOSICIONES COLECTIVAS
2015
  • Diálogos con la Colección - MAMBO - Bogotá
  • Pinturas El Paso - Exposición Casa Cano - Bogotá
  • Antídotos y Video Graffiti - Mykonos Bienale, Grecia
2014
  • Galería Santa Fe - Narrativas en el Arte Colombiano.
  • Galería El Cometa - La Variedad del Mundo.
2007
  • Generación Intermedia MAMBO Bogotá.
  • Elastic Art Project. Sydney Australia.
2000
  • Museo de Arte Moderno de Bucaramanga.
  • Expo 2000, Hannover, Alemania.
1999
  • Primeros Salones Nacionales, Museo de Arte Moderno de Bogotá.
  • Colección Museo de Arte Latinoamericano OEA (Itinerante Internacional).
  • Pintura Actual Suramericana, Medellín.
1997
  • A través del espejo – Museo de Arte Moderno, Bogotá.
  • Pintura en los 90, Biblioteca Luis Angel Arango.
1996
  • Festival Internacional de Arte, Medellín, Colombia.
1993
  • Lejos del Equilibrio, Galería Sextante, Bogotá.
  • Rutas y Territorios, Cinco Becarios de la Comisión.
  • Fulbright, Colombia, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá.
  • Arte Colombiano, Casa de las Américas, Madrid, España.
  • Arte Colombiano Ayer y Hoy, Museo Naval de Cartagena.
1991
  • Estructuras, Visual Arts Gallery, Nueva York, EE.UU.
  • Homenaje a Matisse, Visual Arts Gallery, Nueva York, EE.UU.
1992
  • Arte Colombiano, Queens Museum, Nueva York, EE.UU.
    • 1990
      • Beca Ciudad de México, Museo López Velarde México D.F.
      • II Bienal de Bogotá Museo de Arte Moderno, Bogotá.
      1988
      • El sueño de la razón produce Monstruos, Bienal de Cuenca, Ecuador.
      • Pintores de los ochentas, Centro Colombo Americano, Medellín, Cali, Bogotá.
      • Trabajos sobre madera temas Bíblicos y apócrifos, I Bienal de Bogotá, Museo de Arte Moderno.
      1987
      • Utopía, Berlinische Gallerie, Berlín, Alemania.
      1986
      • Mail Art Action Thun, Suiza.
      1985
      • Proyecto Galería Autónoma Schoneberg Berlín, Alemania.
      • Trabajos sobre papel “Tres iconos”, Arte Colombiano en el Museo de Arte Sofía Imber, Caracas, Venezuela
      COLECCIONES
      • Museo de Arte Moderno de Bogotá
      • Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá.
      • Colección Beca Ciudad de México.
      • Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, Caracas, Venezuela
      BECAS Y TRABAJOS
      • Conferencia sobre Pintura y Romanticismo Biblioteca Luis Angel Arango 2007.
      • Funda y Dirige Fundación Para el Intercambio Cultural ANNA.
      • Realiza La Ruta del Arte por 12 municipios de Colombia. 2005.
      • Laboratorios de Creatividad con el Ministerio de Cultura, Zona Boyacá y Santander 2004.
      • Conferencia sobre Teoría de Color de Goethe 2000 Universidad de los Andes.
      • Profesor en la Universidad de Artes Plásticas de Dusseldorf Alemania, segundo semestre de 2001 y 2003
      • Curaduría Exposición Itinerante “Color”, Banco de la República 1994 -2000
      • Beca Colcultura, Segundo semestre de 1994.
      • Profesor de Cátedra en la Universidad Jorge Tadeo Lozano y Andes, 1988 - 1991.
      • Director de Departamento de Educación Museo de Arte Moderno de Bogotá, 1988 – 1991.
      • Beca Ciudad de México, marzo 1991.
      • Beca Fulbright, julio 1991.
      • Trabajo como conferencista en el Departamento de Educación del Museo de Arte Moderno de Nueva York, 1991 – 1992.
      • Corresponsal Revista Arte 1987.
      • Administración Postal edita una estampilla con una de susu obras,de Crónicas de Indias.

Biografía

 

Hoja de Vida (pdf)

1995
Luis Luna Matiz Siempre me han interesado (con distintas intensidad) los problemas teóricos, políticos, culturales, generados en medios académicos, y no académicos. Sin embargo me es difícil hacer un planteamiento de mi trabajo desde un punto de vista estrictamente teórico. Prefiero llegar a este lugar mejor concluyendo una serie de circunstancias que han moldeado mi vida, que interpretar mi trabajo a partir de un esquema teórico.

Esto podría verse como un aislamiento voluntario o una autosuficiencia impuesta, pero mi proceso parece ser una búsqueda de identidad que evita simplificaciones o procesos sintéticos.

Prefiero llamarlo una extraña independencia.

No ha sido el lirismo lo que me lleva a pintar sino una necesidad de redefinir mi entorno para efectos críticos. Mi entorno definido como ese espacio que incluye el marco geográfico psicológico y político que me rodea. La verdad es para mi una verdad que precisamente no se encuentra dentro de la pintura sino afuera de ella, lo que hago es reflejar ese intenso abismo que existe entre ambas.

THE JOKER
Entre 1976 y 1981 estudie medicina con planes de ser médico sicoanalista, pintor. De estos tres proyectos solo el último se realizo. En medicina junto con un grupo de estudiantes investigamos con cierta intensidad sobre los límites de la razón. La definición de locura, las jerarquías en la relación médico – paciente los estudios de antisiquiatría de Laing y Cooper así como las teorías jungianas del inconciente, fueron temas que nos ocuparon durante estos años. Esto lo menciono porque fueron las puertas a una serie de decisiones, opciones e inquietudes que todavía persisten dentro de mi campo de interés. Entre 1983 y 1988 viví en Berlín después de haber hecho dos años de Bellas Artes en Bogotá. No solamente me movía una atracción hacia ciertas visiones del arte alemán personificadas en artistas activos durante los años 20 como Kandinski, Klee, el ala mística del expresionismo alemán, sino también una necesidad de redefinir mi país y mi cultura desde un contexto lejano en muchos sentidos. En Alemania me confronte con un país cuya historia incluía los comienzos de dos grandes hecatombes en este siglo. Una ciudad amurallada, unos artistas ansiosos, un escepticismo muy grande hacia los valores de la cultura occidental, (culto a la razón, y grandes discursos) y una relación ambivalente y muy discutida con el valor y los peligros del pensamiento utópico, arte global, universal.

Si reaccioné adhiriéndome mas a una estética “marginal” que en este caso significaba foráneo, fue por identificación y química. Y fue precisamente desde esa “metrópoli” donde comencé a cuestionar esa interpretación UNIVERSALISTA que prevalece en estas esferas. La metrópolis, fenómeno típico del modernismo, significó el espejismo de un consenso generalizado, un centro donde se funden todas las formas de arte a partir de las cuales ejercemos críticas, nos incluimos o excluimos. Precisamente fue allí que me di cuenta que la idea de lo universal así como de centro era insuficiente para poder percibir otras formas culturales que posiblemente (no necesariamente) giraban alrededor de ese centro, como eran las mías. Me dediqué a recolectar “iconos” que me servían para expresar mi entorno; algunos los sacaba de la imaginación, los asociaba a experiencias, impresiones, etc. otros recogía de los mercados turcos, de los graffitis en la calle, de ilustraciones medievales, de tratados de Alquimia y de distintos viajes que empecé a hacer, saliendo del centro. Generalmente pintaba sobre tabla o sobre papel, con acrílico o pigmento, variando los formatos y afianzando la idea del fragmento. En la primera exhibición allí,&n

Una calavera, un riel, una puerta, una cerradura, una manta precolombina, un ciego, una mesa, un perro con bozal. Los ensamble de tal manera que conformar una enrejada, y lo llame “zuruckbleiben”, que es el llamado del metro de esa ciudad. Todo este proceso se intensificó en Egipto, donde viaje por la época del Ramadan, que es la peregrinación anual a la Mecca. Allí empece a jugar con la idea de combinar frases con las imágenes. Yo pintaba cosas que significan algo, como una palabra o un símbolo. Dos hombres, dos espaldas, un gato. Una mano, una vela, un libro, cada objeto iba desarrollando una narrativa confinada a su espacio. Allí pude apreciar, en algunas aldeas del alto Nilo, como pintan las paredes con dibujos muy simples, casi infantiles ilustrando frases sueltas de ánimo al viajero, que supuestamente también va de romeria.

Empecé a crear narrativas y combinar las pinturas con refranes muy típicos en nuestro país: entre la espada y la pared, saltando matones, así como el rey se muere, temor y temblor sacados de la literatura. Empecé a dejar huellas, registrar estados y momentos de manera fugaz, a veces precaria, como lo he venido haciendo a través de mis viajes, a veces con amigos artistas he creado instalaciones en lugares específicos, modificamos levemente el entorno y generamos una huella, en Berlin, Manhattan, Brighton Beach, Uzbequistan. Mi sensibilidad busca más la frescura e impasibilidad del arte ingenuo, primitivo o “marginal” (sin querer categorizarme bajo un género). Acá vuelvo a ciertos principios románticos que movieron el arte alemán en los años veinte, el arte arcaico como fuente de sabiduría, como testimonio de otros lenguajes más simples y sofisticados ya no más utilizados. Como testigo de un pensamiento lineal no discursivo. El signo, el símbolo, puestos dentro de un sistema de representación no occidental me acercaron al cubismo, no solo por su aspecto formal sino por lo que significó a nivel cultural, como lo comentaba Torres García significó un puente entre el arte moderno y el llamado arte “primitivo”.

Pero el problema de comunicación no se queda en la representación del lenguaje. El uso continuado de signos y símbolos la conciencia de signo y significante comprobó la limitación no solo de la palabra sino también del lenguaje como tal.

Después de esos cinco años en Berlín mi trabajo cambió de términos, ya no importaba como pintaba sino por qué pintaba. Es ahí donde sentí la necesidad de afirmar la pintura como medio y de distanciarme de manera conciente de buena parte del pesimismo que caracteriza el arte establecido.

La fascinación por las estructuras que han servido de símbolos, la ornamentación en los edificios y en las telas, la gramática existente en el uso cambiante de colores no es el producto de un esteticismo sino una manera de enriquecer su condición alegórica, y de generar nuevos marcos de referencia. La condición de estar perdido, de viajar perplejo a través de un mundo de signos me obliga a reconstruir no tanto el placer de ese estado como de entregar al observador la habilidad de continuar ese proceso de encontrar por sus propios medios los principios para una participación activa en la cultura. El objetivo s que los códigos se desenvuelvan históricamente, encontrar nuevos códigos y no retornar a una estructura preestablecida. Yo no entiendo estructura como la esencia de las cosas. Lo que busco es un sistema de relaciones que permita una experiencia múltiple, estética, que posibilite cambios. Es por eso que el proceso es tan importante en mi trabajo, la yuxtaposición, el boceto, el collage y el reciclaje de elementos son constantes.

La última exposición en Alemania consistió en dos partes. En una sala coloque formando un circulo 40 ladrillos (recogidos de las ruinas que quedaron de un supermercado incendiado en las manifestaciones del primero de Mayo del 88). En un panel de madera recubierta de yeso, dibujé un león comiéndose la cola, (que luego encontraría en un tratado de alquimia) y en tres paneles menores, recargados contra la pared opuesta, dibujé sobre el yeso lápices, revolver y cuerdas. En la otra sala colgué una serie de dibujos con colores planos como vitrales, escenas aparentemente incongruentes ( unos comedores de papas, un ciego, un cuerno, un artesano, un músico) que creaban la estructura para una narrativa.

La pintura vista como soporte de ideas, como fuente de imágenes, rezago de estructuras, es una manera de volver a sensibilizar los sentidos, y desanestesiarlos, un acto solitario pero con una función social clara: desanestesiar.

GOYA

A mi regreso a Colombia, me encontré con un estado de cosas como prolijidad en el medio artístico, violencia y dinamismo. Comencé a interesarme de manera más conciente por la obra de Goya. Ya había sido un admirador suyo desde la época de estudiante de medicina, y ahora mirando sus grabados, los caprichos, los desastres, sentía que eran más reales que nunca. Siempre he tenido la impresión que nuestro medio se identifica con esa cosa bufonesca, macabra, alegre y loca de los grabados de Goya. Allí comencé una serie de pinturas que he interrumpido intermitentemente pero a la que vuelvo siempre. En paneles monocromáticos combinaba las imágenes de los caprichos con signos de culturas mochicas, del amor y la muerte y ritos de conversión. Separar la pintura de los problemas del arte y utilizar la pintura como vehículo para transportar contenidos culturales. Esta es una cita de Ives Alain Bois, teórico francés que me parece oportuna, ya que libera al arte de problemas estilísticos.

Los límites del lenguaje, lo relativo de los sistemas son conceptos que se afianzaron viajando por Colombia, en varias ocasiones dictando conferencias sobre historia de arte. Allí comencé una serie que trabaje paralela a la de Goya que era Terra Incognita. Citando el Coran, sobre tres telas formando mas que un tríptico, una cruz, coloque una serie de elementos de tipo cristiano y pagano, que darían luz a un tema que me estuvo interesando hasta mi llegada a Nueva York: el de las Crónicas de Indias. En las crónicas de Indias encontré esos elementos de narrativa lineal simple, rica en imágenes fantásticas (mares de fuego) con realidades crudas e ignorancia mutua.

Allí retomé el uso de paneles como lo hice en Berlín y poco después en Bogota. Combinando los símbolos de una ciudad mexicana, el símbolo alquímico del vidrio y del oro, una cruz recargada contra los paneles y cuatro palos con inscripciones incongruentes de las crónicas de Indias, armé el ensamblaje.

En este momento identifico mi trabajo con el proceso mismo de desplazamiento el acto de borrar, rectificar y dejar cabos sueltos en una construcción arbitraria pero igual de válida o cualquier acto. Es por esto tan importante para mi el concepto del viajero a la manera del místico o de la Romería donde el viaje (así como el proceso en la pintura) ejerce un poder de purificación. La continua citación del Arcipreste de Hita cuyos textos he incorporado en varias pinturas así como las Crónicas de Indias manifiestan esa manera de ver la vida, con una conciencia de esa diversidad e incertidumbre. El problema en una cultura post colonial no es como respetar diferencias sino como abrazarlas. El viaje es una metáfora que podría equivaler al concepto de puente en las filosofías orientales. Es dejar en los demás su propio carma. El nómada no crea barricadas sino que sigue rutas. Así, hago una analogía entre el viaje y el proceso de pintar, como una forma de promover una actividad dentro del observador. De la pintura van saliendo contenidos, imágenes y accidentes que en un momento de arbitrariedad como es una composición x fija su destino. El proceso crea una estructura, que es mutante por su misma naturaleza. Esto es una manera de disecar el proceso de percepción y creación y de hacer evidente lo ya conocido: la falta de consenso.

RUTAS

Mi interés reciente por las RUTAS se desprendió de un libro de Chatwin donde explica el mundo de los aborígenes. Para ellos la identidad clánica la da una canción. Y esa canción la encuentran siguiendo la ruta que está delimitada por todo el continente. Esto me parece esclarecedor ya que se relaciona con mi concepto de viaje.

Mi interés por la huella y los códigos, despertados a través de viajes, de desplazamiento físicos y sicológicos, la experiencia que tuve siguiendo algunas ciudades de la ruta de la seda me han llevado a reconsiderar los significantes culturales, la movilidad de las imágenes y a redefinirme a mí en estos contextos. En marzo del 94 cree un ensamblaje a la manera de los anteriores, utilizando 7 paneles que representaban fragmentos y residuos de símbolos chinos, geometría sufi, y anotaciones de distintos viajeros, recogidas fue en base a las telas y los colores que más me tocaron. El púrpura, turquesa y rosado han sido colores con connotaciones muy definidas a través de la historia.

El azul marino lo asociaban con la guerra y el más allá, los griegos clásicos, el tinte púrpura fue la base de una fuerte economía durante el imperio romano, y el rosado siempre se ha asociado en las élites artísticas despectivamente como un color de feminidad y ligereza en la cultura occidental, pero es utilizado en sus distintas gamas en el oriente al igual que en los pueblos andinos. (rosado chía). El ensamblaje consiste en paneles recostados unos contra otros, no exactamente ensamblados. La relación entre los paneles no es necesariamente lógica o discursiva una relación arbitraria es lo que los une. Tan arbitraria como los principios mismos que fundamentan nuestras vidas.

EL CAUCHO

El Amazonas es para nosotros como un tambor, como el lejano país donde estamos parados y del que recibimos información esporádica. Un departamento en Colombia conformado por migraciones del interior, y algunos grupos aborígenes, con una carga simbólica y real en nuestro subconsciente.

Allí la mezcla cultural tomó dimensiones de limbo. La Vorágine, la historia de la explotación del caucho, el abuso de poder, y luego la decadencia y el abandono nos han dado una percepción de la selva como algo exótico y lejano, olvidando toda la economía que se creó alrededor de este producto mezcla de precioso y vulgar como es el caucho.

EL VIAJE SIN MOVERSE.

A principios de los noventas me instalé en Villa de Leyva quizás como una manera de revivir la periferia, y tener más visibilidad del centro. Realmente en el fondo quería respirar en un medio menos denso de información, que me retara y me dimensionara de nuevo. Lo que encontré fue una serie de desafíos a mi identidad que poco a poco fueron tomando refugio en un interés por la literatura. La literatura tiene la capacidad de transportarlo a uno a contextos muy lejanos o muy cercanos pero siempre desde el punto de vista del observador. Esta mirada aparentemente disociada de la realidad de alguna manera produce el efecto boomerang de revertirse sobre uno mismo. En muchas ocasioens termina unos siendo el observado. Villa de Leyva una ciudad colonial de interés històrico se volvió la imprimatrura de los cuadros. Nunca pretendí convertirla en un escondite o en un símbolo. Simplemente la luz el paisaje y la temperatura me fueron cautivando hasta volverla mi segundo país.

Desde allí retomé a Goya y a los Viajeros de la Nueva Granada, todo cabìa en el estudio . De pronto todo se amalgamó, incluso la técnica.

El metal que servía para representar el río ahora era aleación de hierro pero se convirtió en bronce para dibujar los caprichos de Goya, el vidrio fue tomado más presencia, y con él la fascinación por la luz, la luz del romanticismo, y la luz barroca, la luz del gnosticismo, ….Mi trabajo se ha centrado en la pintura como incentivo para ahondar en temas no necesariamente asociados con ella pero que a la vez pueden retroalimentarla como medio, enriquecerla sin necesidad de crear moralejas o marcar directrices, .

EL VIDRIO.

El cristal es un material desarrollado a partir de las catedrales góticas como fuente de luz y simbólicamente de espiritualidad, y ha sido materia prima en el estudio del color. El vidrio aporta un nuevo elemento estético y conceptual en la pintura como lo fue la luz. John Cage comenta en su libro Sobre Color acerca de San Buenaventura quien sentía un interés especial por el vidrio, y utilizaba la fabricación del vidrio a partir de las cenizas como sorprendente ejemplo de la presencia de luz en todas las cosas incluso en las substancias más despreciables.”En su rescate de los valores góticos los románticos en el siglo XIX utilizaron el vidrio como fuente de inspiración en cuanto a reflector de luminosidad (Turner Constable), y aun en los ochentas Werner Hrezog se inspira en la historia del secreto del granate para reflexionar alrededor del principio y fin de las estructuras cerradas. El vidrio me intriga por su transparencia y a la vez capacidad de distorsionar cuando refleja una imagen. El contacto con su superficie dura y lisa es estimulante para la pintura misma. De ahì seguì con el acrílico que me ofrecía ciertas cualidades del vidrio como son la transparencia, la superficie lisa y dura, y pesaba menos y corrìa menos riesgo de quebrarse.

LO HERMETICO.

Los incentivos para hacer arte como medio de vida, se han acercado a lo que podría llamarse un lenguaje hermético. La palabra siempre presente en los trabajos es más bien un testimonio de silencio, una metáfora a lo inexplicable, o simplemente una señalización.

En las serigrafías sobre metal, en los procesos de oxidación para sacar la imagen en negativo, está la presencia de un proceso de revestimiento, de arqueología , de develar cubrir, volver a develar hasta parar en un momento arbitrario.

El proceso mismo crea la obra y la obra misma tambien hace parte de un proceso.

Las fuentes de literatura colonial, de ilustraciones de viajeros dan paso al mundo del Bosco.

Anna Blume aparece como de las cenizas, salida de un libro archivado de Schwitters para darle vida a todo lo que estaba dormido en el taller. Es entonces cuando con Sergio Valencia empiezo a experimentar con los videos que se disparan a través de un app de los dibujos. Se cumple de nuevo esa ley muy interna de yuxtaponer para develar, esta vez a través de un proceso mediado por la tecnología…..aparece un momento, un poema, una imagen en movimiento de ese papel. Me gusta sentir que Anna Blume nace con esa nueva técnica.

ANNA.

Anna fue el nombre que le puse a la Fundación que inicié en 2005, y con la que logré realizar algunos buenos proyectos importantes.

Fue con la Ruta del Arte con la que comencé la Fundaciòn ANNA para el intercambio Cultural. No ha tenido muchos proyectos pero los pocos que ha tenido han sido muy exitosos. El primero, inspirado en La Ruta del Arte que se hizo en Bolivia en el 99 atravezò 12 municipios entre Villa de Leyva y la Frontera con Venezuela en Santander en Villa del Rosario. Lo acompañamos de titiriteros, Teatro de improvisación (dirogido opr Juan Angel) y pintura de murales inspirados en la obra de Torres Garcìa donde el fragmento hace parte del todo y a la vez el todo se refleja en el fragmento. Despues vinieron los talleres con las universidades de Pamplona y la UPTC de Tunja. El objetivo de estos talleres era estimular una autorreflexiòn, y la toma de conciencia, usando la creatividad como un medio de proyección y de resolución de conflictos a través del juego, el experimento, y la toma de decisiones. Cada alumno debía replicar y adaptar este taller en un distrito cercano al de su entorno. El objetivo era como siempre hacer conciencia del proceso, aprender arriesgando, aprender a improvisar, hacer conciencia que cualquiera puede hacer arte, y que el arte es una cuestión de actitud frente a su entorno.

EL ARTE QUE CONTRAATACA, EL ARTE QUE “ESCANDALIZA”

Es otra ilusión de la época de los vanguardismos. Conlleva la noción de linealidad en la historia, que es algo revaluado por muchos historiadores contemporáneos. El “escándalo” como prerrequisito vanguardista murió con la idea misma de vanguardia. En las ocasiones que se habla de escándalo dentro del marco de la institución artística la que se beneficia es la institución que demuestra qué tan sólida es para soportar cualquier tipo de escándalo o ataque (fenómeno llamado acumulación de capital simbólico por Bordieu). En ocasiones la institución necesita convencer a su público generalmente burgués de que el arte es también emocionante y hasta peligroso. Es por eso que me acerco al ritual ìntimo, solitario, al acto transgresor sin público que lo celebre. Como dice Sloterdijk al quinico sin pretensiones políticas mas que al cinico en busca de un público.

POSICIÓN ÉTICA

Convivir con diferencias.

La ética como disciplina de una moral única y predeterminada no interesa.

La ética sin hacer juicio de valores trataría más bien de una actitud hacia la vida, incluyendo el arte, incluyendo la pintura, afirmando pero no enjuiciando, encontrando la directriz de manera espontanea y evitando sistemas cerrados.

La actitud que favorece el crecimiento, incremento y como diría un filósofo, adquisición de significado, se contrapone con la de lo negativo, la privación de ser y de significado. Lo negativo es espiritualmente estéril.

La obra de arte “buena” deberá tender a ese movimiento hacia ganancia.

LUIS LUNA MATIZ

 
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